WIE FILME GEMACHT WERDEN

Filme zu machen ist ein spannender und kreativer Prozess. Das Ergebnis, das der Betrachter auf dem Bildschirm sieht, wird von Dutzenden und Hunderten von Menschen unter Einsatz modernster Technik und digitaler Technologie geschaffen. Wie in jedem anderen Bereich gibt es auch hier Eigenheiten und Geheimnisse. In diesem Artikel erfahren Sie, wie Filme heutzutage gemacht werden, vom Schreiben des Drehbuchs bis zur Promotion des Films.

Filmemachen ist ein spannender und kreativer Prozess. Das Ergebnis, das der Betrachter auf dem Bildschirm sieht, wird von Dutzenden und Hunderten von Menschen mit Hilfe modernster Maschinen und digitaler Technologie geschaffen. Wie in jedem anderen Bereich gibt es auch hier Eigenheiten und Geheimnisse. In diesem Artikel erfahren Sie, wie Filme heutzutage gemacht werden, vom Schreiben des Drehbuchs bis hin zur Promotion.

Etappen der Filmproduktion
Zwischen dem Schreiben des Drehbuchs und der Veröffentlichung des Films auf den großen Leinwänden liegt eine lange Zeit, manchmal mehr als 1-2 Jahre. Im Allgemeinen ist das Filmemachen in drei Phasen unterteilt:

Vorbereitung. Die Vorproduktion beginnt lange vor den Dreharbeiten. In dieser Phase wird das Drehbuch geschrieben, die Besetzung ausgewählt, die Kostüme genäht, ein Drehplan erstellt, die Natur ausgewählt, die Kulissen gebaut und organisatorische Fragen geklärt.
Produktion. Die eigentliche Produktion sind die Dreharbeiten zum Film. Dies ist die teuerste und zeitaufwändigste Phase.
Postproduktion. Dazu gehören Schnitt, Spezialeffekte, Bearbeitung, Vertonung und andere Bearbeitungen des Filmmaterials.
Die Dauer der einzelnen Phasen und ihr Umfang hängen von der Art des Filmprojekts ab. Kurzfilme zum Beispiel können in kurzer Zeit und mit einer kleinen Gruppe von Personen gedreht werden, während Spielfilme in der Regel von Dutzenden oder sogar Hunderten von Fachleuten hergestellt werden.

Wir alle lieben das Kino. Diese einzigartige Kunstform ist für uns eine Quelle der Unterhaltung, Freude und Aufregung. Aber wir sollten nicht vergessen, dass das Filmemachen ein komplexer Prozess ist, der die Beteiligung vieler verschiedener Parteien erfordert. Welche Rolle spielt das geistige Eigentum beim Filmemachen?

Die Antwort ist einfach: IP ist das „Gewebe“ des gesamten Prozesses! Das geistige Eigentum bestimmt jede Phase der Filmentstehung vom Drehbuch bis zur Leinwand. Sie hilft den Produzenten, die notwendigen Mittel für ein Filmprojekt aufzubringen, und sie hilft Filmemachern, Drehbuchautoren und Schauspielern – sowie den vielen anderen Kreativen und Technikern, die hinter den Kulissen arbeiten – ihren Lebensunterhalt zu verdienen. Das geistige Eigentum fördert die technologische Innovation, die den Horizont der Kreativität erweitert und das möglich macht, was zuvor unerreichbar schien.

Kameras für Filmaufnahmen

Wie kann man die Emotionen und Gefühle von Filmfiguren am besten einfangen? Die richtige Kamera, natürlich. Heutzutage filmt niemand mehr mit einer Filmkamera. Seit Mitte der 1980er Jahre ist die Digitaltechnik Standard in der Filmproduktion: Sie wurde erstmals in Filmen wie Terminator 2, Tron und Star Wars eingesetzt. Im Jahr 2000 hatten praktisch alle Studios in Hollywood auf Digitalkameras umgestellt.

Heute Modelle mit einer erstaunlichen Auflösung, Zoom, mit denen Sie die Wirkung der Anwesenheit des Betrachters zu schaffen. Neben Standard-Fotokameras werden auch spezielle Action-Kameras (z. B. das Modell GoPro) eingesetzt. Sie sind ideal für die Aufnahme von sich bewegenden Objekten. Je nach Szenario werden wasserdichte Kameras für Unterwasseraufnahmen oder Aufnahmen im strömenden Regen eingesetzt.

Filmteam

Dazu gehört eine Vielzahl von Spezialisten. Neben dem Regisseur, den Schauspielern, den Bühnenbildnern, den Maskenbildnern und den Lichttechnikern.

Drehbuchautor

Das Drehbuch ist die grundlegende Geschichte des Films, die Idee für den Film. Der Drehbuchautor ist dafür verantwortlich – er erstellt eine schriftliche Fassung, und diese kann einzigartig sein oder auf der Grundlage veröffentlichter Theaterstücke, Geschichten und Romane geschrieben werden. Drehbuchautoren können ein Drehbuch auf Bestellung oder auf eigene Initiative schreiben.

Es ist eines der kreativsten Werke aller Phasen des Filmemachens. Auch wenn es sich um die Adaption eines bestehenden Werks handelt, ist es mühsam und anspruchsvoll, denn nicht immer ist das, was in einem Buch steht, für eine Adaption geeignet.

Produzent

Der Produzent hat die Aufgabe, die gesamte Film- oder Serienproduktion zu überwachen und ist in der Regel für den Erfolg oder Misserfolg des Projekts verantwortlich. Der Produzent ist bei der Erstellung des Drehbuchs und bis zum endgültigen Schnitt anwesend und organisiert und fördert den Film bis zu seiner Veröffentlichung auf der Leinwand.

Noch in der Vorbereitungsphase beginnt er, den Film zu promoten und die Finanzierung des Auftrags zu sichern. Er legt konkrete Ziele für das Projekt fest, kann Anpassungen bei den Drehorten und der Besetzung vornehmen, sorgt für die Anmietung von Räumlichkeiten und stellt den Produktionsplan auf.

Direktor

Zu den Aufgaben des Regisseurs gehört die kompetente Interpretation des Drehbuchs. Er zerlegt ihn wie in einzelne Fragmente, aber so, dass der Film aus künstlerischer Sicht einheitlich und vollständig ist. Der Regisseur kann mit Recht mit dem Dirigenten eines Orchesters verglichen werden – er dirigiert eine große Zahl von Menschen, darunter auch Schauspieler, um einzigartige Filmwerke zu schaffen.

Während der Produktion beaufsichtigt er die Darsteller, nimmt an der Arbeit der Kameraleute und des technischen Personals teil und ist an der Herstellung des Films beteiligt. Er ist die hauptverantwortliche Person am Set.

Schauspieler

Schauspieler
Zur Besetzung gehören nicht nur die Hauptdarstellerinnen und -darsteller, sondern auch andere an den Dreharbeiten beteiligte Personen:

Die Hauptfiguren in jedem Film sind natürlich die Schauspielerinnen und Schauspieler. Die Hauptfiguren können bekannt sein, oder sie können Neulinge sein – im ersten Fall kann der Erfolg des Films größer sein.
Die Menge. Wenn man im Hintergrund eine große Anzahl von Menschen auf dem Bildschirm sieht, zum Beispiel im Stadion, sollte man sie nicht immer für die Realität halten. Obwohl die Komparsen schlechter bezahlt werden als die Hauptdarsteller, macht es manchmal keinen Sinn, eine so große Anzahl von Personen zu engagieren – dies wurde nun durch die Computertechnologie ersetzt, die es ermöglicht, die Komparsen nachzubilden.
Unterstudenten. Sie ersetzen die Schauspielerinnen und Schauspieler in Situationen, in denen eine lebensbedrohliche Aufgabe oder ein technisch schwieriger Stunt zu bewältigen ist – ein Sturz aus großer Höhe, eine rasante Autofahrt, Kämpfe, Bettszenen.
Die Auswahl der Schauspieler für einen zukünftigen Film (Casting) ist eine der wichtigsten Aufgaben. Es ist wichtig, dass die Hauptfiguren der Idee des Autors entsprechen und sie auf die Leinwand übertragen werden können.

Kameraführung

Ein Kameramann arbeitet in der Vorbereitungsphase und in der Produktionsphase. Er ist verantwortlich für die visuelle Darstellung des zukünftigen Films, die Beleuchtung am Set, die Belichtung, die Komposition, die Genauigkeit bei der Arbeit mit fotografischem Material.

Die Hauptaufgabe des Kameramanns besteht jedoch darin, eine visuelle Interpretation des Drehbuchs zu schaffen und die ideologische und künstlerische Ausrichtung des künftigen Films zu bestimmen. Er kann auch an der Erstellung von Porträts der Hauptdarsteller mitwirken, Drehbücher entwickeln, Entwürfe für Kulissen und Kostüme genehmigen und Drehorte für die Aufnahmen vor Ort auswählen.

Herausgeber

Die Arbeit des Cutter beginnt nicht erst, wenn die Dreharbeiten abgeschlossen sind, sondern bereits in der Anfangsphase. Es ist wichtig, dass er den gesamten Prozess und das Konzept des Films kennenlernt und auch die Dreharbeiten beaufsichtigt.

Als Filme noch auf Film gedreht wurden, dauerte der Schnitt sehr lange: Das Material wurde direkt von den Originalnegativen geschnitten und dann in einer bestimmten Reihenfolge zusammengefügt. Es war ein sehr sorgfältiger Prozess, der keine Fehler zuließ. Später begann man, Positivkopien von den Negativen zu drucken, mit denen man dann experimentieren konnte.

Heute ist alles viel einfacher. Dank der digitalen Technologie können Sie bereits während des Produktionsprozesses mit der Bearbeitung beginnen, ohne auf die letzte Phase zu warten. Danach kann das Material über das Internet verschickt werden, und der Redakteur kann von jedem Ort der Welt aus arbeiten.

Die Hauptfunktion dieses Spezialisten besteht darin, die einzelnen Videodateien zu einem einzigen Material zusammenzufügen. Hierfür werden Computerprogramme wie Avid oder Final Cut Pro verwendet. Sie ermöglichen es Ihnen, einzelne Clips auf einer Timeline-Spur direkt auf Ihrem Computermonitor aneinanderzureihen und sogar mehrere Szenen parallel zu bearbeiten.

Der Redakteur hat einen Assistenten, der die grobe Arbeit macht – er prüft die einzelnen Dateien, benennt sie, wählt die besten aus und bereitet die erste Montage vor. Der Hauptregisseur setzt den Film wie einen Würfelturm aus einzelnen Teilen zusammen, und in vielerlei Hinsicht hängt das Endergebnis von seinen Fähigkeiten und seinem handwerklichen Geschick ab.

Künstler

Innerhalb der Crew gibt es Künstler verschiedener Richtungen und Spezialisierungen:

  • Konzeptualist. Er erstellt Skizzen, die das Drehbuch visualisieren. Er erfindet und malt auch Kulissen, entwirft Bilder von Haupt- und Nebenfiguren, entwickelt Kostüme und Skizzen.
  • Bühnenleiter. Arbeitet mit dem Regisseur zusammen und stellt sicher, dass das künstlerische Konzept nach Abschluss der Konzeptualisierung umgesetzt wird. Kümmert sich auch um die Dekoration der Kulissen.
  • Bühnenbildner. Oft als Architekt ausgebildet. Er arbeitet mit Kulissen, Spezifikationen und wählt die Materialien für das Set auf der Grundlage mündlicher Beschreibungen oder Skizzen des Art Directors aus.

Der künstlerische Leiter ist dem Produktionsdesigner unterstellt und achtet darauf, dass das Bühnenbild bzw. die ausgewählten Bühnenbilder mit dem Gesamtkonzept übereinstimmen.

Ausführender Produzent

Die Aufgabe eines solchen Spezialisten ist es, die Finanzierung des Films sicherzustellen. Das heißt, er ist für die finanziellen Aspekte der Filmproduktion zuständig, aber am kreativen Prozess der Dreharbeiten kaum beteiligt.

Der Executive Producer erstellt in Zusammenarbeit mit dem CFO einen Kostenvoranschlag und verfolgt die Kosten, um sicherzustellen, dass sie in das Budget passen. Bei Low-Budget-Produktionen wird der Executive Producer nur selten hinzugezogen; seine Rolle wird an den Executive Producer oder seinen Assistenten weitergegeben.

Gießerei-Spezialist

Er wählt die Besetzung aus. Dies geschieht in der Regel durch Vorsprechen von Schauspielern und Schauspielerinnen, die einen Monolog aus einem zukünftigen Film vorlesen, und der Regisseur beurteilt, ob diese Person für eine bestimmte Rolle geeignet ist.

Wenn es sich um berühmte Schauspieler und Schauspielerinnen handelt, die zum Vorsprechen eingeladen werden. Aber manchmal kommt es vor, dass der Regisseur ganz neue Gesichter in seinem Film sehen will. In diesem Fall können Hunderte von Menschen zum Casting kommen. Und manchmal kommt es vor, dass der Regisseur zu verschiedenen Schauspielschulen reist und sich die Arbeit der Studenten ansieht.

Besondere Effekte


Heute überraschen die Spezialeffekte niemanden mehr. Riesige Dinosaurier, exotische Pflanzen, Außerirdische, Raumschiffe – all diese Dinge sind dank der digitalen Technologie Teil der Filmwelt geworden. Einige Spezialeffekte werden jedoch immer noch auf die altmodische Art erzeugt – mit improvisierten Objekten.

Wie seltsame Geräusche „gemacht“ werden

In Horrorfilmen oder Thrillern hört man Geräusche, die einem das Blut in den Adern gefrieren lassen – das Gackern eines Zombies, der Menschenfleisch frisst, Stöhnen, Schreie, das Geräusch brechender Knochen und vieles mehr. Natürlich macht das niemand live, um den richtigen Hintergrund zu bekommen.

Man muss auf Tricks zurückgreifen. Saftiges, knackiges Gemüse – Kohl, Gurken, Wassermelone – zum Beispiel erzeugt Geräusche, die denen in Zombiefilmen ähneln. Wenn ein Kohlkopf mit einem Messer angestochen wird, ähnelt das Geräusch dem Platschen von Blut. Beim Knacken von Sellerie sind Knochenverletzungen zu hören, und wenn man in eine saftige Tomate beißt, hört es sich an, als würde man in menschliches Fleisch beißen.

Jack Foley war der erste in der Geschichte des Kinos, der ungewöhnliche Klänge kreierte und auswählte. Er war es, der erkannte, dass der Ton, den man im Alltag hört, auf dem Bildschirm dumpf und unscharf wirkt. So werden z. B. selbst gewöhnliche menschliche Schritte auf speziellen Abdeckungen gefilmt, um sie ausdrucksstärker zu machen. Führende Studios verfügen über eine spezielle Plattform mit einer Kombination aus Asphalt, Sand, Kies und Metallgittern.

Wie Blut in Action- und Horrorfilmen ersetzt wird


In alten Schwarz-Weiß-Filmen wurde anstelle von Blut meist dicke Farbe oder Schokoladensirup verwendet. Letzteres passte perfekt zur Konsistenz, und seine braune Farbe war im Rahmen nicht sichtbar.

Als die Filme bunt wurden, suchte man nach Alternativen. Es entstand eine Substanz namens Technicolor-Blut, die echtem menschlichen Blut sehr ähnlich ist, sich aber leicht abwaschen lässt.

Es ist eine Sache, es an die Wand oder auf den Boden zu sprühen, aber es ist etwas ganz anderes, es aus einer offenen Wunde herauslaufen zu lassen. Um diese Strömung zu erzeugen, muss ein Schlauch untergeschoben werden, der oft hinter einer speziellen Latexvorrichtung verborgen ist, die in Farbe und Textur Leder ähnelt. Manchmal wird ein Sack mit dieser Flüssigkeit unter der Kleidung angebracht, um einen Wundeffekt zu erzeugen, wenn eine Person z. B. von einer Kugel oder einem Speer getroffen wird.

Blut wird heute in vielen Filmen verwendet, insbesondere in Action-, Thriller- und Horrorfilmen. Wenn Sie sich an den berühmten Film „Kill Bill“ von Quentin Tarantino erinnern, wurden bei den Dreharbeiten fast 2000 Liter solches Blut verbraucht. Und in Stanley Kubricks berühmtem Film „The Shining“ strömt nicht nur Blut aus den Aufzugstüren, sondern es spritzt in Strömen. Die Szene wurde ein Jahr lang gefilmt, bis der Regisseur mit dem realistischen Bild zufrieden war.

Die Feinheiten der Bettszenen
Dies ist eines der heikelsten und sogar verbotenen Themen für viele Schauspielerinnen und Schauspieler. In manchen Fällen werden Zweitbesetzungen für erotische Szenen eingesetzt, wenn empfindliche Körperteile gezeigt werden müssen.

Beim Drehen von Bettszenen gibt es drei unausgesprochene Regeln:

  • fast unsichtbar, aber alle wichtigen intimen Körperteile bedeckend, verwendet wird;
  • Improvisation am Set kommt fast nie vor, das Drehbuch, das eine Bettszene vorschreibt, bekommt der Schauspieler im Voraus und bespricht es mit dem Regisseur oder Drehbuchautor;
  • Während der Dreharbeiten ist ein Minimum an technischem Personal vor Ort, damit sich die Schauspieler entspannen können.
  • Nicht alle Schauspieler und Schauspielerinnen sind mit expliziten Liebesszenen einverstanden. Simulierter körperlicher Geschlechtsverkehr ist für viele tabu und inakzeptabel. Außerdem ist es Schauspielerinnen oft peinlich, sich wegen tatsächlicher oder vermeintlicher Figurmängel nackt zu zeigen. Dakota Johnson zum Beispiel, die in dem Film „50 Shades of Grey“ mitspielt, musste vor Beginn der Dreharbeiten lange Zeit mit einem Personal Trainer arbeiten und eine Diät einhalten.

Sync und korrigiert durch
Einer der Hauptakteure in der Postproduktion (der Phase nach Abschluss der Dreharbeiten) ist der Sounddesigner. Bei der Vertonung verwendet er nicht nur die Standardgeräusche, die im Internet zu finden sind. In den meisten Fällen werden sie vom Sounddesigner selbst erstellt, was sie einzigartig und unwiederholbar macht.

Ein Soundtrack für einen Film wird in mehreren Schritten erstellt:

Ursprünglich wurde der Ton direkt am Set während der Dreharbeiten aufgenommen. Daran arbeiten ein Toningenieur, ein Techniker und ein Boom-Operator. Es wird ein großes Mikrofon verwendet, das mit einem speziellen schallschluckenden Tuch bedeckt ist. Sie müssen so nah wie möglich an den Schauspielern dran sein, ohne dass man sie im Bild sieht.

Dann erfolgt die Synchronisation. Manchmal wird der gesamte Film neu aufgenommen, wenn der Regisseur zum Beispiel mit einigen Reden der Schauspieler nicht zufrieden ist. Für den Film „Captive of the Caucasus“ (Gefangene des Kaukasus) wurde anstelle von Natalia Varley (sie kam nicht rechtzeitig) Nadezhda Rumyantseva als Synchronsprecherin engagiert, die über umfangreiche Erfahrungen mit Synchronisation verfügt. Bei der Synchronisation von „Terminator“ in der deutschen Fassung für Arnold Schwarzenegger sprach eine andere Person – der Produzent erwischte den Österreicher selbst mit einem ländlichen Akzent, der nicht mit der Brutalität der Figur zusammenpasst.

Erstellen der Geräuschkulisse. Es ist das Rauschen des Waldes, das Plätschern der Wellen, der Lärm des Autoverkehrs und andere Geräusche, je nachdem, wo die Handlung angesiedelt ist. Dies ist eine der schwierigsten Phasen – man muss eine solche Kombination von Klängen wählen, die den Zuschauer vollständig in das Geschehen auf dem Bildschirm eintauchen lässt und den Effekt der Präsenz erzeugt.

Es ist nicht immer möglich, die richtigen Soundeffekte aus dem Leben aufzunehmen oder im Internet zu finden. Einige seltene Geräusche werden von Sounddesignern oder Geräuschemachern erzeugt.

Werbung für einen Film


Die Promotion eines Films oder einer Serie wird von einem Line Producer übernommen. Dieser Spezialist muss nicht nur wissen, wie man einen guten Film macht, sondern auch, wie man ihn der breiten Masse zugänglich macht. Seine Aufgabe ist es, Sponsoren und Geldmittel für die Produktion und die Werbekampagnen des Films zu finden.

Denn es reicht nicht aus, einen guten Film zu machen, man muss ihn auch möglichst vielen Menschen bekannt machen. Deshalb fängt er manchmal schon in der Endphase oder kurz nach der Postproduktion an, im Fernsehen und im Internet aktiv für das Projekt zu werben, das dann auf großen Leinwänden im Kino gezeigt wird.

Die Geheimnisse des Filmemachens
Am Filmset werden viele Tricks angewandt, die dem uninformierten Zuschauer gar nicht bewusst sind. Hier sind nur einige von ihnen:

  • Die grüne Leinwand. Dies ist eine Art Hintergrund, auf dem dann die Computertechnologie entsteht. CGI-Grafiken werden heute häufig in Filmen verwendet, und aufmerksame Filmfans können manchmal sogar mit einem flüchtigen Blick zwischen realen Objekten und computergenerierten Elementen unterscheiden.
  • Tabu am Set. Die Darsteller trinken während der Dreharbeiten niemals Alkohol, rauchen nicht und nehmen natürlich auch keine Drogen, selbst wenn es im Drehbuch steht. Außerdem essen die Schauspieler oft nicht wirklich, sondern spucken das Essen nach dem Kauen aus. Schließlich kann es eine Menge Aufnahmen geben, und wenn ein Schauspieler oder eine Schauspielerin jedes Mal eine Mahlzeit zu sich nimmt, müssen Sie in der Mitte des Films Ihre Kostüme umstellen.
  • Das Gespräch der Statisten. In vielen Filmen sieht man Menschen, die sich aktiv im Hintergrund unterhalten, zum Beispiel in einem Café oder Restaurant. Meistens unterhalten sie sich nicht nett, sondern wiederholen eine Reihe von Zahlen – 29, 341, 45, 119, 1311, 4. Die Forschung hat gezeigt, dass ihre Lippenbewegungen beim Sprechen der normalen menschlichen Sprache ähneln. Die Menge spricht diese Zahlen nicht laut aus, sondern spricht sie mit offenem Mund laut aus.

Der Entstehungsprozess eines Films – sei es eine Serie, ein Dokumentarfilm, eine Biografie oder etwas anderes – ist weitaus vielschichtiger, als es scheint. Wie jede Kreativität erfordert sie eine unkonventionelle Herangehensweise und den vollen Einsatz aller Beteiligten – nur so kann ein wahres Meisterwerk des Filmemachens entstehen.

Urheberrecht – Schutz der Rechte der Schöpfer von Werken

Von allen Rechten des geistigen Eigentums ist das Urheberrecht das Herzstück des gesamten Filmproduktionsprozesses. Das Urheberrecht schützt u. a. Urheber oder Rechteinhaber vor der unbefugten Nutzung ihrer Werke durch andere.

Man braucht sich nur die lange Liste der Namen im Abspann am Ende des Films anzusehen, um eine allgemeine Vorstellung davon zu bekommen, wie viele Menschen an der Produktion eines Films beteiligt sind. Es handelt sich um einen komplexen, kollektiven Prozess, der zahlreiche und unterschiedliche Arten von Rechten in Bezug auf die verschiedenen Phasen der Filmproduktion hervorbringt, wie z. B. das Schreiben des Drehbuchs und der Musik, die Regie und die Aufführung. Die Auswahl der Schauspieler für einen zukünftigen Film (Casting) ist eine der wichtigsten Aufgaben. Es ist wichtig, dass die Hauptfiguren der Idee des Autors entsprechen und sie auf die Leinwand übertragen werden können.

Die mit jeder dieser Phasen verbundenen Rechte müssen Lizenzierungs-, Übertragungs- und Registrierungsverfahren durchlaufen, bevor ein Produzent – die Person, die für die Umwandlung einer kreativen Idee in eine marktfähige kommerzielle Idee verantwortlich ist – seine Rechte an einem bestimmten Film geltend machen, die erforderlichen Mittel für die Produktion beschaffen und Lizenzen für den Vertrieb des Films für die größtmögliche Verbreitung vergeben kann.

Der Produzent ist für die Umsetzung des Filmprojekts verantwortlich. Auch wenn er nicht der Autor der ursprünglichen Drehbuchidee ist, ist es unwahrscheinlich, dass das Filmprojekt ohne seinen Einblick und seinen Enthusiasmus jemals das Licht der Welt erblickt. Während des Filmprozesses schließen die Produzenten zahlreiche Verträge ab, in denen festgelegt wird, wie die Rechte des geistigen Eigentums, die von den verschiedenen am Prozess beteiligten kreativen Parteien stammen, genutzt werden und wie die Vergütung aussieht. Diese Regelungen beruhen auf dem Urheber- und Vertragsrecht und sind als „Titelfolge“ bekannt geworden.

Alles beginnt mit dem Skript

Die Reise eines jeden Films beginnt mit der Suche nach einem guten Plot oder Drehbuch. Im Idealfall findet der Produzent ein drehfertiges Skript, aber in der Regel müssen professionelle Drehbuchautoren mit der Erstellung eines Drehbuchs beauftragt werden. Bei dem Drehbuch kann es sich um ein neues Werk handeln oder um ein Werk, das auf bereits vorhandenem Material wie einem Roman, einem Theaterstück oder einem Comic basiert.

Das Drehbuch selbst wird im Allgemeinen als originäres Werk betrachtet, das Rechte des geistigen Eigentums begründet. Ein Produzent beauftragt in der Regel einen Drehbuchautor mit der Erstellung eines Kurzfilmplots und eines Entwurfs für den Film, und der Vertrag kann die Erstellung weiterer Versionen, deren Überarbeitung oder Überarbeitung gegen ein vereinbartes Honorar vorsehen. Die rechtliche Form des mit dem Urheber des Drehbuchs geschlossenen Vertrags hängt von den geltenden Rechtsvorschriften im Bereich des Urheberrechts und der verwandten Schutzrechte ab.

Handelt es sich bei dem Film um eine Adaption eines bestehenden Werks, schließt der Produzent – bevor er weitere Schritte unternimmt – einen Optionsvertrag ab, um das Recht zur Nutzung des Materials zu erhalten. Der Optionsvertrag sieht vor, dass der Eigentümer des Originalwerks, d. h. des Drehbuchs, des Buchs, des Artikels oder der Geschichte, dem Produzenten für einen bestimmten Zeitraum das Recht einräumt, einen Film auf der Grundlage dieses Werks zu drehen.

Wenn der Film fertiggestellt ist (und die Option ausgeübt wird), erhält der Urheberrechtsinhaber eine vereinbarte Gebühr für ein gültiges Recht, das die Nutzung des Werks als Teil eines bestimmten Films erlaubt. Gleichzeitig wird in der Regel ein Vertrag über den Verkauf von Rechten geschlossen, in dem die Bedingungen für den Besitz der Rechte am Drehbuch, des Fernsehmaterials oder des Rechts zur Nutzung des Produkts in verwandten Marktsegmenten, z. B. für das Heimkino oder neue Informations- und Kommunikationstechnologien, festgelegt werden.

Der versierte Produzent versucht, möglichst umfassende Rechte zu erwerben, um eine optimale Rentabilität und Handlungsfreiheit zu gewährleisten, z. B. um die nächste Serie des Films zu entwickeln. Der ursprüngliche Inhaber des Urheberrechts bemüht sich seinerseits, einige Rechte zu behalten, wie z. B. das Recht auf Veröffentlichung, das Recht, das Stück zu produzieren, das Recht, es zu senden, das Recht, Bilder der Figuren zu verwenden (falls man eine Fortsetzung schreiben möchte). Detaillierte Vereinbarungen über den Verkauf von Rechten tragen dazu bei, unvorhergesehene rechtliche Probleme zu vermeiden.

Finanzierung

Wenn es darum geht, die notwendigen Mittel für die Produktion eines Films zu beschaffen, sind die Rechte an geistigem Eigentum, die durch eine klare und konsistente Titeldokumentation abgesichert sind, bei weitem das wertvollste Kapital des Produzenten. Das Fehlen einer klaren und konsistenten Titeldokumentation kann den Verkauf eines Filmprodukts sehr erschweren – oder sogar unmöglich machen. Eine Vereinbarung mit einem renommierten Drehbuchautor, Schauspieler oder Regisseur kann die Chancen, die für die Finanzierung der Produktion und des Vertriebs des Films erforderliche Unterstützung zu erhalten, erheblich erhöhen.

Außerdem ist es der Produzent, der den richtigen Regisseur für das Filmprojekt auswählt und die Vertragsbedingungen mit ihm aushandelt. Solche Verträge decken eine Reihe von Fragen ab, wobei der Regisseur je nach Rechtsprechung den Status eines Urhebers und Miteigentümers eines bestimmten Films mit den entsprechenden Rechten oder den eines Angestellten mit einem Gehalt oder einer Kombination beider Funktionen erhält. Auch die Regisseure erhalten häufig Tantiemen von den Filmverleihern und haben in einigen Ländern, wie z. B. in Frankreich, im Rahmen ihrer unveräußerlichen persönlichen Nicht-Eigentumsrechte das Recht, über die endgültige Fassung des Films zu verhandeln, so dass sie entscheiden können, welche Version des Films auf der großen Leinwand erscheint.

Schutz der Rechte der Akteure

Der Produzent schließt ebenfalls Verträge mit Schauspielern und Darstellern ab. Diese Verträge können vielschichtig und „dünn“ sein, da sie Fragen im Zusammenhang mit den Rechten des geistigen Eigentums, insbesondere im Zusammenhang mit der Übertragung von Rechten an den Produzenten, und die Bedingungen des Arbeitsvertrags miteinander verbinden.

Der rechtliche Status der Akteure ist von Land zu Land unterschiedlich. In einigen Staaten verfügen die Akteure über ein breites Spektrum an so genannten Nachbarrechten. Während in vielen anderen Ländern die Schauspieler als Arbeitnehmer an den Dreharbeiten teilnehmen und keine oder nur eine geringe Verhandlungsmacht haben, um günstige vertragliche Vergütungsbedingungen durchzusetzen

Sobald der Film fertiggestellt ist, wird das Material an den Schneideraum geschickt, wo der Schnittmeister, der Regisseur und der Komponist das notwendige Material auswählen, um die beste Version oder den endgültigen Schnitt des Films zu erstellen. Sobald der Film bereit ist, einem breiten Publikum vorgeführt zu werden, bleiben die Rechte des geistigen Eigentums ein entscheidender Teil des Filmprozesses.

Vereinbarungen mit Vertriebshändlern

Nur mit eindeutigen und konsistenten Titeldokumenten (die das Eigentum an den Vorzugsrechten am Werk sichern) kann ein Produzent erfolgreich Geschäfte mit Verleihern machen. Die Produzenten schließen mit den Verleihern Verträge über die Vergütung und die Verpflichtung, den Film auf den wichtigsten Märkten zu vertreiben. In der heutigen Zeit gibt es keine Mustervereinbarung mit einem Vertriebshändler mehr. Der Produzent könnte Vereinbarungen mit einem Joint-Venture-Unternehmen treffen, das in der Lage wäre, den Vertrieb des Films in lokalen Kinos, auf CD oder DVD zu organisieren, ihn an lokale Fernsehsender zu lizenzieren oder ihn auf Filmfestivals an ausländische Käufer zu verkaufen. Eine andere Möglichkeit wäre, Beziehungen zu verschiedenen Vertriebsunternehmen aufzubauen, die in unterschiedlichen Marktsegmenten tätig sind, z. B. in der Film- oder Videobranche, wobei es diesen Unternehmen überlassen bliebe, separate Lizenzen für bestimmte Rechte zu vergeben.

Verleihverträge enthalten in der Regel Bestimmungen, die dem Verleiher das Recht einräumen, bestimmte Änderungen am Film zum Zwecke des Vertriebs vorzunehmen. Diese Änderungen können sich auf den Titel oder den Schnitt beziehen und dazu beitragen, die Anforderungen der Filmklassifizierung oder der Zensur zu erfüllen, oder die Synchronisierung und Überspielung von Titeln usw.

Jedem Verleiher entstehen Kosten im Zusammenhang mit der Vermarktung des Films, um ihn möglichst gewinnbringend auf dem Markt zu platzieren. Der Produzent setzt sich dafür ein, dass der Verleiher seine Aufgabe der Vermarktung des Films mit der gebotenen Verantwortung wahrnimmt. Der Produzent kann auch Rechte zur Beratung über die Form und Ausrichtung der Marketingkampagne festlegen.

Die Anzahl und die Arten von Vereinbarungen über geistiges Eigentum, die sich aus dem Prozess der Filmproduktion ergeben können, sind ebenso vielfältig wie zahlreich. Bei so vielen Fragen und Rechten, die es zu berücksichtigen und rechtlich zu klären gilt, ist es für Filmproduzenten nicht unüblich, eine Berufshaftpflichtversicherung abzuschließen, um etwaige Probleme im Zusammenhang mit dem Erwerb von Rechten abzudecken.

Warenzeichen und Werbung

Marken sind in der Filmindustrie nicht weniger wichtig. Wie jede andere Branche nutzt auch die Filmindustrie Marken, um ein unverwechselbares Image zu schaffen und auf einem gesättigten Markt auf ein Produkt aufmerksam zu machen: sei es die weithin beliebte 20th Century Fox und ihre Schwesterfirma Fox Searchlight, die von Fans eines exzentrischeren Ansatzes begehrt wird, oder die Animationsidole Pixar und Disney als familienorientiertes Unternehmen.
Auch ein Filmtitel kann als Marke geschützt werden, z. B. Star Wars, ebenso wie die Bilder der Hauptfiguren und Bestandteile eines Films, z. B. James Bond, 007, Harry Potter und The Simpsons. Die Eintragung dieser Komponenten als Marken könnte den Weg für lukrative Lizenz- und Werbevereinbarungen ebnen, um die Kosten für die Produktion und Werbung für den Film zu decken.

Es ist allgemein anerkannt, dass Walt Disney der erste war, der das Potenzial des Filmemachens und seiner Figuren im Hinblick auf die Erzielung zusätzlicher Einnahmen (z. B. über den Filmverleih hinaus) erschlossen hat. Das Bild und der Name von Mickey Mouse, der bekanntesten Zeichentrickfigur der Welt, wurden 1928 als Marke eingetragen. 2010 erzielte das ikonische Disney-Maskottchen einen weltweiten Einzelhandelsumsatz von 9 Milliarden US-Dollar und weist weiterhin ein starkes Wachstumspotenzial auf. Bis 2010 machte das kultige Disney-Maskottchen neun Milliarden Dollar Umsatz im weltweiten Einzelhandel und zeigte weiterhin ein starkes Wachstumspotenzial.

Ein weiteres eindrucksvolles Beispiel für die erfolgreiche Vermarktung eines Filmprodukts ist der Star-Wars-Film. Auf den ersten Star-Wars-Film, der 1977 in die Kinos kam, folgten fünf weitere erfolgreiche Filme, die einen äußerst lukrativen Multimilliarden-Dollar-Markt für Sammlerstücke zum Film (von Actionfiguren über Lichtschwerter und Schlüsselanhänger bis hin zu Büchern) geschaffen haben. „Star Wars“ hat sich zu einem unerschütterlichen Kultphänomen entwickelt, eine modische Tradition, die dank der Pläne, mit den Dreharbeiten zu Star Wars VII noch in diesem Jahr zu beginnen, fortgesetzt wird.

Versteckte Werbung

Filmschaffende und Filmgesellschaften können sich eine weitere wertvolle Technik zunutze machen – die Technik der Schleichwerbung: bestimmte Markenartikel (mit einem Warenzeichen) „passen“ in die Handlung des Films. Das allererste Beispiel für Schleichwerbung findet sich in dem Film Wings aus dem Jahr 1929, der in der Handlung auf Hershey’s Bonbons verweist.

Angesichts der Verbreitung digitaler Technologien, die es den Zuschauern ermöglichen, die Werbung zu „durchleuchten“, betrachten viele Unternehmen die Schleichwerbung als eine leichter zugängliche und effektivere Methode, um mit dem Verbraucher zu interagieren. Für die Filmindustrie ist diese Praxis zu einem wertvollen Instrument geworden, um die Produktions- und Werbekosten zu kompensieren.

Dank eines Deals mit Heineken – angeblich im Wert von 45 Millionen Dollar – sind die Macher der neuesten Filmreihe nun dabei, den Film zu drehen. Die Macher der neuesten James-Bond-Filmreihe Koordinaten: Skyfall (2010) haben fast ein Drittel der Produktionskosten des Films durch einen Deal mit Heineken gedeckt. Die Technik der Schleichwerbung wird in Bondiana, einer der erfolgreichsten Filmreihen der Welt, seit den 1960er Jahren eingesetzt. Ein Bericht der Online-Nachrichtenseite Business Insider listet alle Produkte auf, die in den Bond-Filmen im Laufe ihrer Geschichte in der einen oder anderen Form erwähnt wurden. Die Bedeutung dieser „geladenen“ Produkte ist so groß, dass einige Filmstudios sie bereits vor der eigentlichen Produktion im Drehbuch erwähnen.

Technologische Innovationen

Für die Herstellung eines Films werden zahlreiche technische Mittel eingesetzt: Kameras, Beleuchtungsanlagen, Schnittgeräte, Ton- und Spezialeffektgeräte. Innovation ist das Markenzeichen der Branche. Im Laufe der Geschichte haben neugierige Köpfe immer wieder nach neuen und besseren Wegen gesucht, um den Horizont des Möglichen zu erweitern. Viele dieser einzigartigen technischen Lösungen sind durch Patente geschützt.

Seit Thomas Edison und die Gebrüder Lumiere das Kino zu einem Massenphänomen machten, hat die Filmindustrie einen enormen technologischen Wandel durchlaufen. Auf das goldene Zeitalter des Stummfilms folgte das Zeitalter des Tonfilms, das dem Dialog und der Schauspielerei eine neue Bedeutung verlieh und zur Entstehung von Filmgenres führte. Die Erfindung von Technicolor (1916 entwickelt und im Laufe der Jahrzehnte verfeinert) ermöglichte eine realistischere Kinematografie, während innovative, leistungsstarke Tonsysteme – vom Vitaphone-System der Warner Brothers (das 1927 im ersten abendfüllenden Tonfilm, The Jazz Singer, eingesetzt wurde) bis hin zu Dolby Surround (erstmals 1982 eingesetzt) – die Filmindustrie bereicherten.

Digital – die Zukunft des Kinos

Die Umstellung von Film auf Digitaltechnik hatte in den letzten Jahren enorme Auswirkungen auf die Branche: Die Produktionsqualität wurde verbessert, die Kosten und Produktionsfristen wurden gesenkt und der Zugang zur Filmindustrie für Hobbyfilmer und preisgünstige Filmemacher erleichtert.

Die Digitaltechnik hat auch enorme Möglichkeiten für den Einsatz von Spezialeffekten geschaffen und die Entwicklung der Genres Science Fiction und Fantasy gefördert. Dank der Digitaltechnik haben die Filmemacher heute die Möglichkeit, die Bilder der imaginären Welten, die die Figuren in ihren Filmen erkunden, neu zu erschaffen.

Im Jahr 1995 schuf Pixar mit Toy Story den ersten abendfüllenden computeranimierten Spielfilm, und 2009 wurde Slumdog Millionaire der erste weitgehend digital gedrehte Film, der mit einem Oscar für die beste Kameraarbeit ausgezeichnet wurde. Auch im Jahr 2009. „James Cameron hat mit Avatar Neuland betreten, indem er stereoskopische 3D-Fototechniken einsetzte, um eine explosive, monolithische Verschmelzung von Schauspiel und CGI mittels bahnbrechender Motion-Capture-Technologie zu schaffen.

Die weit verbreitete Nutzung und Anwendung digitaler Technologien, einschließlich des Internets, verändert die Filmindustrie grundlegend in Bezug auf die Art und Weise, wie Filme konsumiert und verbreitet werden (Streaming und Herunterladen), und verwischt die Unterschiede. Die Digitaltechnik ist zweifellos das Medium, das die Liebe zum Kino auf der ganzen Welt beflügelt.

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